O drama brasileiro se abre com uma narrativa que sugere que a vida está ilesa e não caminha para um destino determinado, a abertura aleatória é essencial para entender o ritmo particular proposto por Alice Furtado em Sem Seu Sangue. Se tivéssemos que discutir a sinopse, eu falaria sobre a jornada transcendental de uma garota afetada pela saúde do namorado hemofílico, mas esse caminho é de menor interesse para o diretor do que para as metáforas derivadas das questões da vida e morte, dor e prazer.
A prova do desprendimento da linearidade narrativa reside na negligência do co-estrela Artur (John Paiva), criança vista apenas pelos olhos de Silvia (Luiza Kosovski), que descobre a doença do jovem e depois descreve da mesma forma, é ela quem sofre as consequências de sua situação. Arthur praticamente não tem voz e não tem controle sobre seu destino, ele nem sequer deixa rastros depois de seu tempo na escola. figura imaginária e fantástica, talvez inventada pela menina tímida para escapar dos desejos reprimidos. Não haverá necessidade de esperar por um discurso sobre representação negra nesta escola, ou sobre a classe social à qual os jovens apaixonados pertencem. Os personagens não são explorados pela comunidade em que vivem, mas por seu capital simbólico.
- Assim.
- O corpo de Sylvia começa a sofrer as consequências da dor.
- Ele tem problemas estomacais e ostenta apatia injustificada.
- Ao mesmo tempo em que encontra dezenas de sinais de contato entre o natural e o sobrenatural ao longo do caminho.
- O estudante lê um livro chamado “Ilha Mágica”.
- Encontra frases sobre “Corpos andando à luz do dia?”e descobrir os mistérios da magia negra.
- Em vez de transformar a história e levá-la em uma direção específica.
- Essas sugestões apenas abrem uma gama de possibilidades que o Sem Seu Sangue almeja para a História Errante entre um mar de alegorias sobre a natureza humana.
- Analisando diferentes formas de vida (a cadela que dá à luz) e a morte (Arthur.
- Doença de Silvia.
- O turista francês).
- Furtado constrói uma espécie de alucinação em que não há conflito.
- Parece bem real O projeto.
- Ou pelo menos partes importantes dele.
- Pode ser um sonho ou um pesadelo.
O exercício da escolha da linguagem se traduz em tom etéreo, mais sugestivo do que assertivo. Os trabalhos de Furtado com sobreposições, mudanças bruscas de cor e iluminação, pop-rock e trilha sonora eletrônica, gestos lânguimos de personagens. Os atores são levados à apatia, como se o cenário preferisse reduzi-los à função corporal. Ainda assim, Luiza Kosovski e Juan Paiva teriam potencial para oferecer momentos de intensidade, se solicitado. Digo ribeiro, Loureno Mutarelli e Selvia Buarque encarnam seus papéis sem qualquer forma de variação que pudesse quebrar a rígida linearidade do ritmo. E quanto a Nahuel Pérez Biscayart, outro personagem que interage sozinho com Silvia, mas não com o meio ambiente, como um fantasma adicional nesta ilha mágica?
A edição articula uma estrutura curiosa: no primeiro semestre, a história parece não desenvolver sua premissa (a doença, a paixão do casal); na segunda parte, quando ele finalmente escolhe se envolver em conflitos, ele vai muito mais longe. do que ele havia antecipado, abraçando fervorosamente os caminhos fantásticos. A partir de sugestões poéticas iniciais, com imagens paisagísticas e narrativas sussurradas, nos voltamos para sangue e tripas. Uma multiplicidade de leituras seria possível a partir dessa jornada atípica, entre outras coisas, pois o palco mostra mais prazer em estar aberto a performances do que em concluir a trajetória dos personagens.
Talvez o resultado pareça muito vago para um público médio, e muito desestruturado diante de tantos filmes mais coerentes apresentados no Décimo Quinto Dos Diretores de Cannes, ou seja, parece concebido menos como um veículo de reflexão do que como um meio de reflexão. expressão pessoal e hermética; no entanto, apresenta um diretor claramente ambicioso, que busca traçar, a partir do primeiro longa-metragem, o caminho de um autor intransigente, uma atitude que pode ser considerada louvável, e sempre necessária, dado os recentes ataques ao cinema brasileiro como forma de radicalismo.
PS: É provável que já esteja sendo investigado nesse sentido, mas seria interessante se alguns pesquisadores da estética da imagem estudassem o uso que o cinema nacional fez de neon e cores, o que representou a porta de entrada para sair do material. ao transcendental, em diálogo com Deus (Amor Divino), com os mortos (Sem Seu Sangue, Os Silêncios), com a natureza (Boi Neon) e com uma forma de êxtase pessoal (Tinta Grosseira). escapar da amarga realidade desses filmes, ou talvez neon refere-se a uma aparência de celebração, brincadeiras infantis, sonhos. Muitos dos títulos mencionados acima poderiam ser descritos como filmes fantasmas. Vale a pena procurar o que nos atraiu para esta eleição desagradável. cores e imagens.
Filme visto no 72º Festival Internacional de Cinema de Cannes em maio de 2019.