“O Rio de Janeiro está falido, o teatro municipal, em agonia?. A frase impressa no cartaz resume os sinais curtos no início do documentário, quando se explica que após um período de otimismo, um golpe trouxe à tona um presidente do poder para colocar novos representantes nas esferas municipal, estadual e federal, que cortou até mesmo o maior patrimônio artístico do país, como o teatro municipal do Rio de Janeiro. Os diretores Patrizia Landi e Vincent Rimbaux listam rapidamente os meses em que dançarinos, músicos e outros funcionários não são pagos, devido à indiferença dos governadores. Segundo um funcionário, os políticos até sugeriram fechar as portas do teatro de uma vez por todas, para reduzir custos.
A ressaca (ou “Vertigem da Queda” no original) ganha seus melhores momentos quando estabelece uma relação direta entre o privado e o público, o indivíduo e o coletivo, mesmo entre as famílias e a nação. Cena em que a primeira bailarina do Teatro Municipal, sem pagamento há meses, olha para as notícias os escândalos de sacos de dinheiro e propinas pagas pela JBS a parentes do então presidente Michel Temer, a discrepância fica clara: enquanto os cidadãos estão morrendo, há muito dinheiro, mas ilegalmente concentrado nas mãos da elite. Sem diálogo, cenas como essa sintetizam as contradições de um discurso econômico que declara a impossibilidade de honrar dívidas para fugir da responsabilidade de fazê-lo.
- O desprezo de alguns dos artistas mais hábeis do país levou a uma revolta notável em discursos e filmes em geral; Felizmente.
- Muitos desses momentos ocorrem em silêncio.
- Como na bela cena em que Joo.
- Um velho que trabalha na recepção e no armário.
- Admira o espaço suntuoso do teatro enquanto ele se desentenea para uma possível vida fora deste lugar.
- A câmera vai até as casas dos trabalhadores e nos bastidores do teatro para sugerir que o não pagamento não só causa um atraso nos pagamentos.
- Mas uma profunda tensão emocional.
- Prejudicando os laços familiares e as relações sentimentais.
- Os salários não só se tornam um pré-requisito para o consumo: serve como reconhecimento.
- Retorno de esforço e estabilidade para a continuidade do trabalho.
- O documentário apoia claramente essa ideia.
- Sem recorrer à denúncia de sangue: o tom é sobretudo melancólico.
- Desesperado.
É em termos de construção estética que o filme tem suas principais limitações, especialmente no som e na fotografia. A captura e edição do som tornam incompreensível diversos diálogos: em momentos de encontro entre músicos, em montagens ou mesmo dentro de um supermercado, a proliferação O ruído esconde as vozes. Pode-se sugerir que o caos sólido é um fim em si mesmo, uma representação da dificuldade de comunicação em tempos de crise. No entanto, o discurso parece ser fundamental nesses cenários incapazes de distinguir vozes de muito menos. Ruídos importantes, como a campainha de um caixa registrador ou veículos que atravessam as ruas, sem estabelecer uma hierarquia entre diálogos e ruídos locais, o som simplesmente captura com igual intensidade todos os estímulos que passam. prejudica o aspecto estético e até mesmo comunicativo do projeto.
Talvez a escolha mais surpreendente em termos de som seja a sequência em que, para chamar a atenção para a crise do teatro municipal, vários artistas se apresentam em frente ao prédio, no espaço público. Neste momento, o filme que lamenta a falta de atenção à arte e a incapacidade de acessar as performances elimina o som dos tenores cantando e a execução de violinos para reunir todos os fragmentos com a mesma música chorosa, que ironicamente foi impedido de artistas privados de expor sua arte por outro lado , quando um dançarino cai ao palco durante uma apresentação, a montagem se aproxima, repete a cena e adiciona uma trilha sonora de suspense para reforçar a tensão e interpretá-la como um sintoma de exaustão emocional. testemunhar o belo trabalho que eles fazem (e fizeram no passado) além do “Vertige de l’automne?”sugerindo o título.
A questão da proximidade da câmera e do olhar na direção produz outra sensação de desconforto. Em documentários observacionais como o Ressaca, em que entrevistas diretamente na câmera e narrativas explicativas são apagadas, é comum que a câmera seja posicionada remotamente. quando entra na intimidade dos personagens, como forma de respeito e modéstia. Agora é em momentos privados que a câmera se aproxima das pessoas, como o close-up da lágrima da bailarina triste, o avião perto de um cadáver durante o velório. call up (diante do óbvio desconforto das pessoas ao redor) e o momento em que a câmera fica entre as pernas do pai e do filho jogando futebol, como se fosse um terceiro jogador no jogo.
A interferência não só toca o voyerismo, mas também produz uma impressão de artificialidade, impedindo que as pessoas ajam naturalmente. A cena em que os funcionários explicam aos clientes que um show foi cancelado mostra a vergonha das pessoas filmadas, que têm medo de olhar para o público. Neste ponto, o procedimento é fictício, como se os funcionários estivessem fazendo uma ação para o filme, e não apesar disso. Curiosamente, em momentos de apresentação pública a imagem permanece distante e fria. No primeiro terço, dedicado à trajetória da bailarina M. Jaqueline, a câmera agora está posicionada na plateia, agora no corredor, filmando o trabalho dos corpos em planos um tanto impessoais. Até mesmo o uso de lentes poderia ser questionado, para trabalhar com as lentes menos expressivas para a apresentação de um grupo no palco. Sem esquecer o formato digital em preto e branco e o escopo que pouco contribui para a experiência estética e discursiva como um todo?assistir as estranhas imagens na televisão, transformadas em preto e branco, quando o neto de Joo vê as notícias.
Em conclusão, os espectadores do Cine Cearo parecem ter visto uma cópia finalizada às pressas, na qual legendas misturam português e francês (“Um Filme de Vincent Rimbaux”, bem como títulos de capítulos não traduzidos), um sintoma de um final frágil. O discurso é muito rico, desde os anos de Lula até Temer e Jair Bolsonaro organicamente, incluindo tanto a morte de Marielle quanto a valorização da arte na Europa como contrapontos ao discurso oficial do Brasil, mas sobretudo por ser um documentário sociológico, o aspecto fundamental do ponto de vista exigiria mais reflexão e cuidado em sua execução.
PS: É engraçado que a peça comece com os cartazes “Um Filme de Vincent Rimbaux, dirigido por Vincent Rimbaux e Patrizia Landi”. Como a paternidade da gestão é dividida neste caso?Por que o filme seria apenas Vincent, mas dirigido com Patrizia, como você acha que a criação e a responsabilidade da imagem?Esse seria outro aspecto a ser questionado, especialmente no contexto de um documentário sobre a autonomia e valorização do trabalho artístico.
Filme visto no 29º Cinema Cear? Festival Ibero-Americano de Cinema, setembro de 2019.