Dunkirk chega aos cinemas em um momento em que a imprensa e o público tentam discernir o status especial do diretor Christopher Nolan dentro da indústria; por um lado, ele trabalha de acordo com as regras do mercado, fazendo grandes produções de super-heróis, contratando estrelas. para os papéis principais e produção de ficção científica de outros diretores. Por outro lado, ele se recusa a filmar com o digital, evita 3D, aposta no antigo formato de 70mm e se posiciona contra exposições em telas pequenas, incluindo o lançamento de filmes diretamente nas plataformas de streaming.
Nolan é considerado um visionário e um autor conservador, popular e educado. Sua posição externa dentro do sistema faz com que a imprensa use uma hipérbole absurda para descrevê-la: enquanto os britânicos a comparam com Stanley Kubrick, os círculos franceses o reduzem a um artesão de obras redundantes, em que o som repete a imagem, ambos parecem exagerados. Além de intensificar as discussões, este novo filme serve para destacar as imensas qualidades do cineasta e reafirmar suas fraquezas recorrentes.
- Como proposta visual é excelente.
- O diretor está plenamente ciente dos ângulos retos.
- Lentes e movimentos da câmera para provocar uma experiência de tensão máxima.
- A cena da guerra é capturada de forma grandiosa.
- Pela amplitude das praias.
- Dos mares e do céu.
- E também íntima.
- Pois se concentra em dramas humanos pontuais e silenciosos.
- Que envolvem a vida de pessoas anônimas.
- Cenas de Tommy (Fionn Whitehead) correndo em uma maca ao longo da praia.
- Pegando um barco em movimento ou se escondendo entre as vigas de um píer são lindamente filmadas e montadas.
Em vez de capturar cenas de uma distância contemplativa, a câmera é posicionada no meio da ação, entre soldados presos na areia ou no fundo do mar, quando um navio explode. A imersão é tão eficaz que lembra a capacidade do cinema 2D de explorar sensações, bem como qualquer 3D. Ao mesmo tempo, a trilha sonora de Hans Zimmer, com seus violinos tensos, consegue compor uma melodia que converge com explosões e motores de aeronaves, a ponto de ser difícil separar a música do ruído. Cada imagem, cada movimento, cada som é muito bem pensado e executado.
O projeto também impressiona com sua narrativa ousada e comercial. Nolan cria uma história dividida em três partes, cada uma com um protagonista: o garoto Tommy que tenta escapar da praia, o patriota Dawson (Mark Rylance) que deliberadamente vai para a batalha e o piloto Farrier. (Tom Hardy) tentando destruir aeronaves inimigas. A trama leva muito tempo para se conectar e não revela imediatamente a ambiciosa relação temporal entre os três segmentos. O resultado é um projeto sem destaque definido, com poucos atores famosos, em uma trajetória não linear, e que não perde tempo em explicar as peculiaridades da guerra.
Além disso, evita a sucessão de explosões e cenas de heroísmo. O que Nolan entende? É que uma explosão só tem um impacto se acontecer após a pausa, e um diálogo poderoso só faz sentido entre momentos de silêncio. tedioso, mas o palco evita a saturação investindo no poder de olhares e gestos. A imagem de um pé na areia, ou negociação silenciosa para tapar buracos em um navio diz mais de cumplicidade do que discursos cheios de slogans. Quanto à sua duração, o resultado é tão amplo no escopo das imagens quanto se contenta em termos de melodrama, até se torna brutal na trama do piloto cuja ação se limita a matar ou ser morto, baleado e defendido. Impossível.
Apesar de tantas qualidades, a produção tem suas desvantagens, a curiosa direção da fotografia varia de cores completamente realistas, em tomadas aéreas e cenas ultrassaturadas, como se fossem de um show technicolor de 60 anos atrás. Barry Keoghan) parece abrupto, no que é o segmento mais fraco da história, por tentar incluir em poucos minutos tópicos importantes como perdão, ressentimento e vingança. Momentos naturalistas de sobrevivência, envolvendo Tommy, funcionam muito melhor.
O maior problema está no último terço, quando o heroísmo aparece fortemente sabiamente evitado por mais de uma hora. No final, o diretor abraça a trilha sonora chorando, as cenas de sacrifício ao anoitecer e a quase imediata canonização dos soldados resgatados. É o aspecto spielbergiano que tantas críticas nolan desperta: a necessidade de concluir seu enredo com a reafirmação didática dos valores da tradição, família e propriedade, após uma longa narrativa que não necessariamente trabalhou nessas questões. Nolan, como Spielberg, confia até certo ponto nas habilidades cognitivas de seu público, desde que a audácia seja domesticada no final.
Como um retrato da guerra, o projeto levantou críticas justificadas: a evacuação de mais de 300. 000 soldados em 1940 foi resultado de um esforço conjunto das tropas britânicas, francesas e do Magreb, mas o cenário apenas descreveu a coordenação das tropas britânicas. retratado na história é salvo pelos britânicos, e o personagem do Comandante Bolton (um brilhante Kenneth Branagh) sugere que seus colegas franceses foram salvos pela boa vontade do vizinho europeu. mártir como Farrier.
Finalmente, um filme excepcional é revelado que representa o ambiente, cores, texturas e sons de guerra, ou seja, funciona muito bem nas sensações daquela época, mas não tem o mesmo sucesso quando se pensa em guerra. Além de declarar que os soldados estavam esperando “um milagre”, ele começa com uma frase sobre tropas presas “pelo inimigo”. (Mas quem é esse inimigo?O papel de Dunquerque na Segunda Guerra Mundial?). O filme torna-se politicamente vago, tanto ansioso para usar aeronaves reais e uniformes idênticos aos da época e descuidados na pesquisa geopolítica envolvida. Uma guerra consiste em indivíduos e pequenos gestos, é claro, mas também é realizada por nações, com interesses políticos e econômicos muito específicos. É um projeto maravilhoso quando dedicado aos indivíduos, mas negligencia quando representa as comunidades.